Esprit D’Air Metal desde Japón nos presenta Aeons, su cuarto álbum de estudio

Reformado en 2016, Esprit D’Air es un proyecto musical japonés de rock electrónico/metal liderado por el vocalista, músico y productor Kai. Su sonido es único y fresco, combinando una agresividad contundente con voces melódicas y solos de guitarra impactantes. La poderosa banda nos presenta Aeons, su cuarto álbum de estudio.

Esprit D’Air lanzó su cuarto álbum de estudio, Aeons, el 7 de noviembre de 2025. Autoproducido y compuesto íntegramente por la banda, el álbum incluye los recientes sencillos favoritos de los fans, «Chronos» y «Silver Leaf», ambos elegidos como Mejor Canción Nueva de Metal de la Semana por los lectores de Metal Hammer.

Aeons sucede a los anteriores lanzamientos de la banda: Constellations (2017), Oceans (2022) y Seasons (2024), todos los cuales entraron en las listas oficiales de ventas, con sencillos que se posicionaron entre los diez primeros puestos de la lista oficial de ventas de sencillos.

Sobre el concepto, Kai comenta:

«Aeons trata sobre el tiempo: cómo puede atraparnos, ponernos a prueba y llevarnos al límite. Estas canciones se escribieron en un mundo cada vez más incierto, donde el conflicto, la división y la crisis moldean nuestras vidas. Pero incluso en medio de esa oscuridad, aún existen la resiliencia, la esperanza y la posibilidad de volver a empezar. Las canciones exploran temas de desesperación y lucha, pero también de resiliencia y esperanza, y nos recuerdan que incluso en los momentos más oscuros, hay una salida».

Luego de su exitosa gira europea por diez países, actuando en recintos con capacidad para 1.500 personas, Esprit D’Air se embarcará en una gira por el Reino Unido e Irlanda a partir de noviembre de 2025 para presentar su álbum «Aeons«. Optando por recintos más íntimos, la banda busca acercar su nuevo disco a los fans, capturando la energía pura de los conciertos pequeños. La gira también incluirá un concierto reprogramado en Barcelona, ​​que originalmente se pospuso debido a un apagón nacional.

Si bien sus álbumes anteriores incluyeron colaboraciones con artistas invitados como Ben Christo (The Sisters Of Mercy), Ryo Kinoshita (ex-Crystal Lake, Knosis), Tim “Ripper” Owens (ex-Judas Priest, KK’s Priest) y Heavygrinder, Aeons representa un nuevo capítulo escrito y producido íntegramente por la banda.

Esprit D’Air es una galardonada banda de metal alternativo liderada por el guitarrista y vocalista Kai. Conocida por su fusión de voces melódicas y riffs potentes, la banda opera de forma totalmente independiente, encargándose de todo, desde la producción hasta el lanzamiento. Esprit D’Air ha figurado en las listas oficiales y ha realizado giras internacionales, consolidando una fiel base de seguidores en todo el mundo.

El nuevo álbum de Esprit D’Air, Aeons, se lanzará el 7 de noviembre de 2025 y es un fuerte candidato al número 1 en la lista oficial de álbumes de rock y metal.

• 1 – Tempus

«Un muy buen intro de 1:05 minutos, comienza este viaje por Aeons, una propuesta desde Japón como nos gusta, contundente, ruda y con un mensaje cargado de actualidad, política, el sistema, la opresión, un trabajo discográfico bien contestatario. Independiente del país en el que te encuentres, te sentirás identificado con sus líricas poderosas. Recomendamos de entrada darle una mirada a los videosclips de la mayoría de tracks que vienen acompañado con complemento audiovisual, la banda se caracteriza mucho por ello, y nuestra manera de apoyarlo es darle clic.Y aunque es un tema muy tranquilo de inicio, es solo un respiro para lo que viene, estamos listos para Rockear«

• 2 – Chronos

 «Esta canción es la que suena de fondo mientras leen esto, el track se siente como una tormenta emocional contenida en un estudio de grabación. Desde el inicio, una secuencia de guitarras con delay crea un ambiente casi cinematográfico, antes de que una pared de sonido lo cubra todo. No se trata de brutalidad gratuita; es un caos cuidadosamente diseñado. El vocalista juega con la ambigüedad: canta como si tratara de comprender el mismo ruido que lo rodea, y cuando grita, lo hace desde la entraña, no desde el ego. La producción brilla por su sentido de espacialidad, dejando respirar los instrumentos. El bajo no solo acompaña; dialoga, marcando rutas que la guitarra a veces ignora. Hay un espíritu de desobediencia musical, una necesidad de romper el molde sin perder la estructura. La mezcla final potencia las texturas: capas de sonido que se disuelven unas en otras hasta que todo se convierte en un ruido emocional perfectamente articulado. Un tema que demuestra que el alternative metal no solo es furia, también es introspección amplificada«.

• 3 – Shadow of Time

 «Shadow of Time fluye entre la melancolía y el caos. Comienza con un riff poderoso y sonoro, antes de explotar en una sección rítmica densa y tribal. La batería, más que acompañar, guía la narrativa emocional; suena humana, imperfecta, real. La voz alterna entre lamentos melódicos y cantos rasgados con un fuerte grado de honestidad. Hay algo profundamente catártico en la manera como se expresa el descontrol: cada compás parece un intento de liberación. El solo de guitarra no solo brilla por virtuosismo, también por su sentido expresivo, casi narrativo, con notas que se sostienen hasta el límite del feedback. La producción se mantiene cruda, casi minimalista, dándole protagonismo al cuerpo de las frecuencias graves. Lírico y sonoro, el tema gira en torno a la tensión entre la autodestrucción y el deseo de trascenderla. Es el tipo de composición que demuestra que el alternative metal puede ser emocional sin volverse predecible, técnico sin perder alma. En su último minuto, el tema se desintegra en ruido, como si aceptara que no hay redención total, solo un intento constante por encontrar sentido en el caos«.

• 4 – Quetzalcoatl

«Desde los primeros segundos se siente que Quetzalcoatl busca complacer: con un intro lento y dócil, para que luego entre con poder un riff seco y mecánico se repite como mantra mientras la voz surge desde un lugar casi hipnótico. El bajo resuena profundo, con distorsión sutil que da textura al conjunto. Las guitarras, lejos de seguir la estructura tradicional, se entrelazan con efectos que rozan el noise rock y el industrial, generando un paisaje sonoro asfixiante. Sin embargo, en medio del ruido, hay melodía. La voz limpia aparece en el coro con una fragilidad inesperada, abriendo un contraste que humaniza la densidad instrumental. La producción es deliberadamente densa, con capas superpuestas que se van revelando con cada escucha. El final se desvanece en loops distorsionados, como si la canción se negase a terminar, atrapada en su propio pulso emocional. Es una obra que representa el espíritu más cerebral y decadente del alternative metal: donde el sonido no solo golpea, sino que disecciona la mente de quien lo escucha«.

• 5 – Silver Leaf

«Una línea electrónica e hipnótica abre el tema, marcando un pulso que sostiene todo el peso de la instrumentación. Las guitarras entran con un tono abrasivo, creando una sensación de espacio y movimiento. El vocalista adopta un registro versátil: melódico y rudo, casi íntimo en las estrofas, y agresivo en los coros, sin caer en dramatismos forzados. Lo interesante es cómo la canción equilibra energía y control; cada sección parece al borde del colapso, pero nunca pierde dirección. La producción mezcla modernidad y crudeza: las frecuencias altas son limpias, pero las medias mantienen esa suciedad característica del metal alternativo de los 2000. En el puente, una pausa instrumental permite que la emoción respire, antes de una explosión final que suena más a liberación que a furia. No hay pirotecnia, hay intensidad real. Este tema recuerda por qué el alternative metal sigue siendo relevante: porque puede hablar de lo humano con un lenguaje que vibra entre la distorsión y la vulnerabilidad«.

• 6 – Stardust

«Stardust despliega una tormenta controlada, uno de los tracks más tranquilos del disco, un equilibrio entre la furia y la introspección que define al metal alternativo contemporáneo. La guitarra se abre paso con un riff saturado y profundo, mientras la batería ruge con precisión quirúrgica, sosteniendo un groove que nunca pierde tensión. La voz masculina transita entre la confesión melódica, como si tratara de mantener a raya un conflicto interno que amenaza con desbordarse. En los coros, la producción juega con reverberaciones amplias que envuelven la mezcla, dándole un aire casi cinematográfico. La letra habla de redención y desgaste, de la delgada línea entre el deseo de escapar y el miedo a hacerlo. No busca impactar desde la brutalidad, sino desde el contraste: el metal que se abre para dejar entrar la vulnerabilidad. Hacia el cierre, una distorsión disonante deja una sensación de vacío, de algo inconcluso, como si el silencio fuera parte del mensaje. Es una obra que no grita por atención, sino que se instala lentamente en la mente y el cuerpo, dejando la emoción vibrando mucho después de que termina«.

• 7 – Machina

«Con un tono sombrío y cautivador, Machina es un track instrumental que se mueve entre la densidad del metal alternativo clásico y la sensualidad oscura de lo experimental y ciertos tonos de electrónica. Los sintetizadores aportan una textura nebulosa, envolviendo los acordes en una atmósfera melancólica. La batería alterna compases irregulares, sugiriendo caos, mientras el bajo guía la dirección emocional de la pieza. La producción equilibra lo orgánico y lo digital, recordando que el metal alternativo no necesita elegir entre modernidad y crudeza. Es una canción que se siente tanto como se escucha, una exploración del poder y la fragilidad coexistiendo en la misma frecuencia. Cada segundo es un pulso, un eco de emociones que se rehúsan a desaparecer«.

• 8 – Lost Horizon

«Lost Horizon inicia con un riff serpenteante, casi tribal, que se abre paso entre capas de distorsión líquida. Es un viaje de texturas donde el metal alternativo se mezcla con toques progresivos y ambientes espaciales. La voz, cargada de un dramatismo contenido, se convierte en el hilo conductor que mantiene coherencia entre la agresión instrumental y la reflexión lírica que ya nos viene exponiendo la banda a través de Aeons. La batería, amplia y seca, imprime una sensación de urgencia; mientras que los puentes melódicos funcionan como respiros de humanidad dentro de una tormenta eléctrica. El clímax llega con un breakdown casi espiritual, donde los instrumentos colapsan en una armonía disonante. No hay complacencia, solo una búsqueda honesta de identidad entre el ruido. La mezcla final resalta el contraste entre lo físico y lo introspectivo: un cuerpo que grita y un alma que calla. Es una de esas piezas que no necesitan ser comprendidas del todo, solo sentidas; un recordatorio de que el metal alternativo, en su mejor versión, no se conforma con el sonido: lo habita, lo transforma y lo trasciende«.

• 9 – Broken Mirror

«Una introducción brutal y pegajosa construye tensión antes de que el riff principal detone con precisión quirúrgica. Hay una frialdad calculada en la producción: cada golpe de batería suena como un mecanismo industrial bien aceitado, cada línea de bajo retumba con una oscuridad casi física. La voz, áspera pero vulnerable, se convierte en el ancla emocional del caos. En su estructura se siente la influencia del nu-metal y del rock alternativo de los noventa, pero reinterpretado con una estética más moderna y textural. Las guitarras juegan con afinaciones graves, creando una sensación de peso emocional y físico. Lo más interesante es cómo logra transmitir agresividad sin recurrir al cliché: todo está contenido, dosificado, casi clínico. El final, con una explosión instrumental abrupta, parece dejar un mensaje claro: incluso en la rigidez, el alma busca su grieta para respirar. Una pieza que equilibra brutalidad y minimalismo con una elegancia poco común dentro del género, definitivamente es de los tracks que más nos gusta del disco«.

• 10 – 絶望の光

«Esta canción combina la crudeza del metal alternativo con la estética del metalcore y la sensibilidad del darkwave. La voz femenina es un eco que se arrastra entre las paredes sonoras, alternando entre la dulzura y el dolor. Los riffs densos crean un colchón de sonido que vibra como un corazón acelerado, mientras el bajo sostiene la tensión con un pulso hipnótico. La letra parece escrita desde un lugar de desintegración emocional, donde amar y destruir se confunden. Hay algo cinematográfico en su desarrollo: los versos son susurros que anuncian la tormenta y el estribillo estalla con una intensidad liberadora. La producción cuida los contrastes: reverberaciones amplias, silencios estratégicos, texturas que invitan a perderse. Es una pieza que captura la dualidad del metal alternativo contemporáneo: visceral pero sensible, abrasiva y al mismo tiempo profundamente estética. Cuando termina, deja la sensación de haber atravesado una pesadilla hermosa. No busca redención ni promesas, solo decir la verdad más oscura posible a través del ruido. Su poder radica en eso: en hacer del dolor un paisaje sonoro de belleza indómita, otro de los tracks que más nos gustarón del disco y queremos agregarlo a nuestra playlist de Rockear.Co».

• 11 – Like A Phoenix

«Desde los primeros segundos, Like A Phoenix se siente como una descarga eléctrica emocional. Las guitarras no buscan ser perfectas, sino vulnerables, temblorosas, humanas. Hay un groove espeso que sostiene la estructura, pero lo que realmente domina es la voz de Kai: quebrada, rabiosa y sincera. Se mueve entre un canto melódico y un grito catártico que parece salir del fondo del pecho. La producción mezcla claridad con caos: hay compases donde todo suena limpio y cristalino, y otros donde la distorsión devora el espacio. No hay heroísmo, solo una confrontación honesta con la caída. Lo más interesante es cómo el tema logra equilibrar técnica y emoción: la percusión es precisa, pero jamás fría; los arreglos de guitarra son complejos, aunque jamás pierden el sentido de urgencia. En el cierre, un silencio repentino deja el eco de la voz suspendido, como si aún siguiera gritando en la distancia. Es una pieza que demuestra que el metal alternativo puede convertirse en un espejo de nuestras ruinas personales, brillando precisamente por su imperfección«.

• 12 – 羽ばたけ

«Y llegamos al último track, el tema abre con un bajo envolvente que se arrastra como una serpiente bajo la tierra, preparando el terreno para una explosión sonora precisa y envolvente. Las guitarras crean un muro de frecuencias medias que parecen respirar, expandirse y contraerse. La voz aparece con fuerza, como un mantra hipnótico que se quiebra en el momento justo. Lo fascinante aquí no es solo la ejecución técnica, sino la atmósfera: cada sonido parece meditado, cada silencio es una herramienta emocional. El metal alternativo se funde con tintes electrónicos sutiles, generando una textura que recuerda a los días más experimentales del género. La letra, cargada de imágenes simbólicas, habla de transformación y resistencia. No es una canción de ira, sino de renacimiento: se siente el paso del dolor hacia la lucidez. El estribillo, expansivo, estalla con una armonía coral que contrasta con los versos densos y claustrofóbicos. El resultado final es una experiencia sonora introspectiva, tan intensa como contemplativa. La mezcla deja claro que la fuerza no siempre está en gritar más alto, sino en saber cuándo susurrar con intención. Una joya de sutileza y poder, donde el alma se convierte en frecuencia y el metal se vuelve piel«.

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«Desde los primeros acordes en Broken Mirror se siente la urgencia. Las guitarras rugen con un riff aplastante, mientras la batería avanza como una máquina imparable. Sin embargo, lo que destaca es cómo la canción no se queda en la crudeza: introduce pasajes melódicos donde la increíble voz con una personalidad propia, muestra un costado vulnerable, casi confesional. Esa dualidad crea un relato sonoro que habla de destrucción, pero también de reconstrucción. La lírica es intensa, cargada de imágenes poderosas que evocan tanto dolor como esperanza. El bajo, profundo y vibrante, se convierte en el hilo que une cada transición. La producción logra un balance perfecto, dando espacio a los detalles sin perder contundencia. El resultado es una canción que golpea por su fuerza y conmueve por su sinceridad. Es un ejemplo perfecto de cómo el Alternative Metal no es solo una descarga de rabia, sino también un espacio de catarsis emocional. Una obra que deja claro que la vulnerabilidad también puede sonar brutal. Una vez más recomendado darle una mirada al videoclip de la banda donde podemos verlos en acción«.
Rockear.Co

«A qué está sonando el metal en Japón, la banda Esprit D’Air nos trae una muestra con su sonido poderoso y potente que nos pone a Rockear desde el segundo 00 con esa propuesta sonora de guitarras atronadoras que penetran nuestros sentidos y nos elevan el Hype, esos sonidos electrónicos mezclados con ese sonido que mezcla Metalcore, Melodic Metal y Metal Alternativo, cada compás se siente como un grito contenido, listo para romper el silencio, hay una crudeza elegante en su sonido, una belleza feroz que desgarra con suavidad, el riff principal es un latido constante que guía al oyente por un viaje intenso y visceral, en definitiva esta canción irrumpe como un torrente emocional que arrastra todo a su paso. El track viene acompañado de un videoclip, invitados a que le den una mirada al clip.
Suficientes argumentos hacen que el estreno de Esprit D’Air también sea recomendado y agregado a la playlist en Spotify de Rockear.Co con lo mejor de la música independiente del planeta.Y tú ya la conocías?, escúchala aquí y prepárate para la mejor selección musical”.
Rockear.Co 

Esprit D’Air lanza «Silver Leaf» y anuncia gira por Reino Unido e Irlanda

Esprit D’Air lanza su cuarto sencillo, «Silver Leaf», de su próximo cuarto álbum de estudio, Aeons, el 18 de julio de 2025. Liderada por Kai (vocalista, actual guitarrista de The Sisters Of Mercy), con Jan-Vincent Velazco (ex-Ghost, actual miembro de Pendragon) en la batería, Takeshi Tokunaga (ex-MergingMoon) en el bajo y Yusuke Okamoto en la guitarra, Esprit D’Air es una banda japonesa de metal que ofrece una fusión única de metal progresivo y electrónica.

Takeshi dice: «Hay momentos en la vida, tanto grandes como pequeños, en los que nos enfrentamos a la necesidad de tomar una decisión. Incluso si esa decisión parece incierta, incluso si nos sentimos perdidos sin una respuesta, o incluso si puede resultar ser la equivocada. Y con el tiempo, que la decisión que tomaste sea buena o no depende de ti.

Por supuesto, dejarse llevar y dejar que otros decidan por ti tampoco es necesariamente malo. Pero si tienes la oportunidad de tomar tu propia decisión, espero que esta canción te anime a dar ese paso adelante».

Sin sello discográfico ni representante, su segundo álbum, Oceans, debutó en las listas oficiales de rock y metal en el puesto número 8, con dos de sus sencillos llegando al top 10 de la lista oficial de ventas de sencillos.

El nuevo sencillo «Silver Leaf» sirve como adelanto del cuarto álbum de estudio de la banda, Aeons, cuyo lanzamiento está previsto para el 24 de octubre de 2025. Los sencillos anteriores «Lost Horizon» y «Zetsubou no Hikari» figuraron en la lista de canciones de la semana de Metal Hammer. «Silver Leaf» continúa con el lanzamiento del álbum.

Fechas de la gira:

• 11 de noviembre de 2025: Mánchester, Inglaterra, Rebellion
• 12 de noviembre de 2025: Wolverhampton, Inglaterra, KK’s Steel Mill
• 13 de noviembre de 2025: Swansea, Gales, Hangar 18
• 14 de noviembre de 2025: York, Inglaterra, The Crescent
• 15 de noviembre de 2025: Dunfermline, Escocia, PJ Molloy’s
• 18 de noviembre de 2025: Barcelona, España, Razzmatazz 2
• 21 de noviembre de 2025: Londres, Inglaterra, 229
• 22 de noviembre de 2025: Londres, Inglaterra, 229
• 26 de febrero de 2026: Dublín, Irlanda, Academy Green Room
• 27 de febrero de 2026: Belfast, Irlanda del Norte, Limelight 2

La agrupación de Japón han aparecido en BBC Radio, Kerrang! Radio, Louder, HuffPost y TotalRock Radio. En 2018, Esprit D’Air ganó el premio al Mejor Álbum de Metal en los Premios de la Música Independiente de Nueva York por el lanzamiento de su álbum debut, Constellations, con un jurado de prestigio compuesto por Slayer, Amy Lee (Evanescence), Sepultura, Tom Waits y otros.

Kai y la banda no buscan una gran discográfica, sino que siguen una sólida filosofía DIY y producen todo ellos mismos para ser lo más autosuficientes posible. Por ello, graban, mezclan y masterizan sus propios lanzamientos en su propio estudio de grabación casero y producen el material gráfico ellos mismos.

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