El artista Mohammad Hussain nos presenta su disco Cocaine you Dig it? un álbum hard rock crudo, visceral y excéntrico

Este es el trabajo de alguien a quien no le importan las opiniones ni las críticas. Según la discografía de Mohammad Hussain, su debut fue en 2002 con el álbum «Seattle for Try». Desde entonces, sus lanzamientos han sido intensos a lo largo de los años, sin ninguna pretensión de ser una estrella de rock. A partir de su cuarto álbum, «Terrorist of Rock» (2011), este apodo comenzó a perseguirlo. Hoy, con su último álbum «Cocaine You Dig It?» disponible, el estilo se mantiene igual, al igual que la sencillez y el rechazo a los estándares impuestos por la industria musical. El álbum completo contiene trece canciones forjadas en un hard rock crudo, visceral y excéntrico.

Antes que nada, cabe mencionar que Mohammad Hussain es multiinstrumentista, además de cantante. En otras palabras, lo que escuchan aquí son más de 43 minutos de música interpretada, cantada y grabada por él mismo. Por eso, quizás también podríamos llamarlo un «terrorista de la melodía», ya que sus canciones son como bombas de guerra en nuestra experiencia auditiva. «Two High», si bien permite que sus líneas melódicas respiren, es un ejemplo perfecto de una canción que o se ama o se odia. En cualquier caso, Hussain ha acumulado un buen número de fans de un nicho al que le importa un bledo la corrección política.

Al mejor estilo de Rockear, acompáñanos a disfrutar de este Disco de principio a fin. Como siempre escucharemos el trabajo discográfico completo y expresaremos lo que sentimos de cada track. Les presentamos el artista Mohammad Hussain que nos entrega su más reciente trabajo discográficoCocaine you Dig it? cada track es una gran exploración con atmósferas cargadas de eso que siempre nos pone a Rockear en cada nota que transmite, un nuevo artista que nos llega a la curaduría de Marketplace ¿estás list@ para Rockear con nosotros?
Suficientes argumentos hacen que los estrenos de Mohammad Hussain también sean recomendados y agregados a la playlist en Spotify de Rockear.Co con lo mejor de la música independiente del planeta.Y tú ya la conocías?, escúchala aquí y prepárate para la mejor selección musical”.
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• Work Tomorrow FU 2Nite

“Work Tomorrow FU 2Nite” entra como un grito visceral desde la primera nota, con riffs que parecen sacudir el aire con intención desafiante. El título no solo es una frase de rebeldía: es un manifiesto de resistencia contra la rutina y la complacencia, como si el propio metal se negara a someterse a las normas de la vida cotidiana. En este tema, Mohammad Hussain arma un muro sonoro robusto, donde cada guitarra golpea con peso y cada golpe de batería marca una pulsación que se siente como latidos acelerados de adrenalina. La voz —rasgada, intensa, sin concesiones— transmite esa urgencia de explosión inminente, como si no hubiese mañana y todo deba decirse ahora, con ruido y crudeza. El bajo aporta densidad, funcionando como columna vertebral de una canción que no pisa el freno en ningún momento. Aquí, no hay lugar para pausas suaves ni melodías dulces: todo está diseñado para empujar, para que el oyente se levante, mueva la cabeza y sienta ese choque físico entre ritmo y emoción. Rockear este tema es experimentar la energía sin filtros, sentir la furia convertida en sonido y aceptar que a veces el metal no solo acompaña, sino cuestiona la propia vigilia. “Work Tomorrow FU 2Nite” es puro metal rebelde con propósito, y nos pone a Rockear desde la inmediatez, la furia y la honestidad brutal.
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• Los Feliz Hipster Hookers

«Con un nombre tan provocador como Los Feliz Hipster Hookers, esta canción llega como un choque de ironía y caos controlado. El título sugiere un collage de imágenes, y la música lo traduce en un riff agresivo que corta el silencio sin piedad. Mohammad Hussain no busca agradar: busca confrontar, mezclar humor ácido con una descarga sonora que no escatima potencia. Las guitarras rugen, distorsionadas al punto de hacer vibrar el pecho, y la batería acompaña con una cadencia que empuja sin descanso. La voz se mueve con determinación entre mordacidad y vehemente intención, casi como un narrador oscuro que describe un escenario urbano exasperante con un filo crítico. La letra, aunque difícil de desentrañar palabra por palabra bajo el peso de la instrumentación, funciona más como una actitud que como un mensaje literal: una mezcla de caos, ironía y energía punk-metal sin filtros. El bajo se siente profundo, como una sombra que lleva el peso de cada sección, reforzando la densidad del conjunto sonoro. La producción no suaviza nada: abraza la aspereza como parte del mensaje. Rockear este tema es aceptar esa mezcla entre humor corrosivo y brutalidad sonora, y dejar que la canción te zarandee desde la primera hasta la última nota. “Los Feliz Hipster Hookers” es una de esas piezas que no se olvidan por su nombre, su presencia y su impacto visceral».
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• Two High

“Two High” se siente como un estado alterado convertido en sonido. Desde los primeros segundos, la canción se mueve entre una sensación de vértigo y saturación, como si todo estuviera ocurriendo un poco por encima del límite. El riff principal avanza con un pulso denso y repetitivo, generando una atmósfera casi hipnótica que atrapa al oyente y lo arrastra sin pedir permiso. Aquí el metal no corre, flota pesado, cargado de tensión y distorsión. La batería marca un ritmo firme, insistente, que refuerza esa sensación de estar suspendido entre el control y el exceso. La voz aparece cruda, directa, sin adornos, transmitiendo una mezcla de euforia y desgaste, como si “estar demasiado alto” no fuera solo una referencia química, sino también mental y emocional. Todo suena intencionalmente áspero, sin pulir, como una experiencia que no busca ser cómoda. El bajo sostiene la estructura con un peso constante, aportando gravedad a una canción que juega con la repetición para intensificar el impacto. Rockear este tema es dejarse llevar por esa sensación de desorientación consciente, donde el metal se convierte en un reflejo del exceso, del ruido interno y de la imposibilidad de bajar el volumen. “Two High” no explica, expone, y en esa crudeza encuentra su fuerza.
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• Cocaine You Dig It?

“Cocaine You Dig It?” es uno de esos títulos que ya llegan con una provocación directa, y la música responde con la misma actitud frontal. La canción entra sin rodeos, con guitarras afiladas y una energía que se siente nerviosa, casi ansiosa, como si todo estuviera a punto de salirse de control. El riff principal es agresivo, insistente, construido para incomodar y mantener al oyente en alerta constante. La batería golpea con una urgencia que refuerza el carácter compulsivo del tema, mientras el bajo se arrastra denso por debajo, aportando una sensación de peligro latente. La voz suena confrontativa, casi burlona por momentos, como si la canción lanzara la pregunta del título no para obtener respuesta, sino para evidenciar una realidad incómoda. Aquí el metal funciona como espejo crudo de la adicción, del impulso y del desgaste que viene después del pico. No hay romanticismo ni glorificación, solo una exposición directa envuelta en ruido, distorsión y tensión sostenida. La producción deja que todo suene áspero, sin suavizar bordes, reforzando la sensación de caos controlado. Rockear esta canción es enfrentarse a ese vértigo sonoro que no busca agradar, sino sacudir. “Cocaine You Dig It?” es metal incómodo, directo y honesto, y por eso mismo golpea donde tiene que golpear.
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• God’s gift to Satan

“God’s Gift to Satan” juega desde el título con una ironía oscura que se traslada directamente al sonido. La canción se construye sobre riffs pesados y arrastrados, con una sensación constante de amenaza que nunca termina de explotar, pero tampoco se relaja. Hay algo ceremonial en su estructura, como si cada compás fuera un paso más hacia un conflicto moral interno, uno donde no existen bandos claros. Las guitarras trabajan con capas densas, creando una atmósfera opresiva que refuerza la idea de contradicción: lo divino y lo corrupto coexistiendo en el mismo espacio. La batería no busca velocidad, sino peso, marcando el avance con golpes firmes que hacen que todo se sienta inevitable. La voz entra con un tono crudo, casi desafiante, como si aceptara el rol incómodo que plantea el título sin pedir absolución. No es una canción que busque provocar desde el shock fácil, sino desde la incomodidad conceptual. Todo suena intencionalmente áspero, sin limpieza excesiva, dejando que el mensaje se filtre a través del ruido. Rockear este tema es abrazar esa tensión entre culpa, sarcasmo y crudeza, entendiendo que a veces el metal no predica, simplemente expone lo que muchos prefieren no mirar de frente.
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• l identify as a Failure

«I Identify as a Failure” es una declaración brutal convertida en canción. Desde el inicio, el tema transmite una sensación de desgaste emocional profundo, sostenido por guitarras pesadas que no buscan grandilocuencia, sino repetición y presión constante. El riff principal funciona como un ciclo del que no se puede escapar, reforzando la idea de identidad atrapada que plantea el título. La batería avanza con un ritmo firme y contenido, evitando explosiones innecesarias, como si cada golpe fuera un recordatorio de una carga que se arrastra día tras día. La voz suena honesta hasta el límite de lo incómodo, sin dramatizar de más, dejando que las palabras caigan con su propio peso. Aquí no hay victimismo, hay aceptación cruda y directa. La producción acompaña ese enfoque, manteniendo todo cercano, casi claustrofóbico, sin espacios amplios ni respiros evidentes. El bajo aporta una base sólida que refuerza la sensación de resignación pesada, de realidad asumida sin maquillaje. Rockear esta canción es conectar con esa honestidad incómoda que pocas veces se dice en voz alta. “I Identify as a Failure” no busca redención ni consuelo, solo decirlo tal como es, y en esa franqueza encuentra una fuerza brutal».
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• Drugs, not hugs

“Drugs, Not Hugs” es una consigna provocadora que se traduce en una canción directa, incómoda y sin intención de suavizar el golpe. Desde el primer riff, el tema se mueve con una agresividad seca, apoyada en guitarras densas y una base rítmica que avanza con actitud casi mecánica. No hay espacio para el consuelo que el título niega; todo suena frío, distante y deliberadamente áspero. La batería marca un pulso constante, sin adornos, como si replicara una rutina repetitiva que se vuelve dependencia. El bajo refuerza esa sensación de peso emocional, manteniendo la canción anclada a tierra mientras las guitarras se encargan de generar tensión. La voz aparece con un tono crudo, más cercano al cansancio que a la rabia, lo que vuelve el mensaje aún más perturbador. No se trata de glorificar nada, sino de exponer una realidad sin filtros, incómoda y frontal. El tema funciona como un espejo poco amable, uno que obliga a mirar de frente elecciones, carencias y escapes. Rockear esta canción es aceptar que el metal también sirve para incomodar, para señalar vacíos afectivos y decisiones autodestructivas sin moralejas ni finales felices. Es un golpe seco que no pide permiso».
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• Serious as a Predator

“Serious as a Predator” se mueve con una tensión constante, como si la canción estuviera siempre al acecho. Desde su arranque, el tema construye una atmósfera inquietante basada en riffs afilados y silencios estratégicos que refuerzan la sensación de amenaza. Todo avanza con una calma peligrosa, calculada. La batería cumple un rol clave, marcando patrones precisos que refuerzan la idea de control y vigilancia. Cada golpe parece medido, como si la canción supiera exactamente cuándo atacar y cuándo retroceder. Las guitarras alternan entre pasajes cortantes y momentos más densos, creando una dinámica que mantiene al oyente en alerta constante. La voz se siente firme, sin exageraciones, transmitiendo una seguridad inquietante que encaja perfectamente con el concepto del depredador. No hay heroísmo aquí, solo una exploración de la seriedad llevada al extremo, de esa mentalidad enfocada que puede resultar peligrosa cuando se deshumaniza. La producción mantiene todo tenso y compacto, evitando cualquier sensación de alivio. Rockear este tema es entrar en ese estado mental donde la concentración absoluta roza lo obsesivo, donde cada movimiento importa y nada se deja al azar. Un corte oscuro, preciso y perturbador.
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• Don’t Polysubstance Use Disorder Shame Me

El título ya es un manifiesto, y la canción responde con una descarga de metal incómodo, confrontacional y sin voluntad de agradar. “Don’t Polysubstance Use Disorder Shame Me” se construye sobre riffs tensos y repetitivos que transmiten una sensación de presión constante, como una mente atrapada entre juicios externos y luchas internas. No hay dramatismo exagerado: hay exposición cruda. La batería avanza con un ritmo insistente, casi opresivo, reforzando la idea de una batalla que no se detiene. El bajo añade peso emocional, manteniendo el tema anclado mientras las guitarras se encargan de crear fricción. La voz no busca compasión; suena firme, cansada, pero desafiante, como alguien que se niega a ser reducido a una etiqueta clínica o moral. La canción no explica ni justifica, simplemente afirma. Es un rechazo frontal al estigma, a la vergüenza impuesta desde afuera, usando el metal como vehículo de resistencia. Rockear este tema es aceptar que la música pesada también puede ser un espacio para exponer vulnerabilidades sin maquillarlas, para reclamar dignidad desde el ruido y la distorsión. Un corte incómodo, honesto y necesario, que no pide aprobación y tampoco la necesita.
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• I can sleep when ur ded

“I Can Sleep When Ur Ded” avanza con una energía agotada pero feroz, como alguien que sigue de pie solo por inercia. El título sugiere insomnio, desgaste y una urgencia malsana, y la canción lo traduce en riffs persistentes y una base rítmica que no concede descanso. Todo suena empujado al límite, sin pausas reconfortantes. La batería mantiene un pulso constante, casi obsesivo, marcando el paso de una rutina que se repite hasta el cansancio. Las guitarras construyen capas densas, reforzando la sensación de saturación mental, mientras el bajo sostiene la estructura con una presencia firme y pesada. La voz transmite urgencia, pero también una resignación oscura, como si el cuerpo ya estuviera agotado aunque la mente siga acelerada. No hay glorificación del exceso ni romanticismo del desvelo; lo que hay es una exposición directa del desgaste. La canción funciona como retrato de una vida empujada más allá de sus límites, donde el descanso siempre se pospone. Rockear este tema es reconocer esa cultura de agotamiento permanente y enfrentarse a ella desde el ruido, sin discursos, solo con intensidad sostenida. Metal directo, abrasivo y brutalmente honesto.
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• too old

“too old” no suena a resignación, suena a desgaste consciente. La canción se mueve sobre riffs pesados pero contenidos, como si cada golpe estuviera calculado desde la experiencia y no desde la rabia juvenil. El tempo no corre: avanza con el peso de alguien que ya ha vivido suficiente como para no fingir urgencia. La batería marca con firmeza, sin excesos, reforzando la idea de un cuerpo que sigue funcionando aunque ya no quiera demostrar nada. La guitarra trabaja desde la repetición, generando una sensación de rutina, de días que se parecen demasiado entre sí. La voz transmite cansancio, pero también lucidez; no hay lamento, hay aceptación incómoda. El tema no habla de rendirse, sino de reconocer los límites y la fatiga acumulada. Rockear esta canción es mirarse al espejo sin nostalgia falsa, entendiendo que crecer también implica perder impulsos y ganar cicatrices. Es metal que no grita juventud eterna, sino supervivencia emocional. Un corte sobrio, honesto y pesado, que conecta desde la experiencia y no desde la pose.
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• I don’t like girls who like me

El título introduce una contradicción emocional que la canción explota con precisión. “I Don’t Like Girls Who Like Me” se apoya en riffs tensos y angulares que reflejan incomodidad, inseguridad y autoboicot. La estructura del tema evita resoluciones claras, reforzando esa sensación de conflicto interno que nunca termina de cerrarse. La batería mantiene un pulso inquieto, con cambios sutiles que rompen la estabilidad, mientras el bajo refuerza un ambiente denso, casi claustrofóbico. La voz suena defensiva, irónica, como alguien que reconoce sus patrones tóxicos pero sigue atrapado en ellos. No hay victimismo, hay una exposición cruda de la incoherencia emocional. La canción no juzga ni busca redención; simplemente muestra el choque entre deseo y rechazo. Rockear este tema es aceptar que el metal también puede hablar de vulnerabilidades incómodas, de relaciones fallidas y de bloqueos personales sin necesidad de dramatizarlos. Es un tema que incomoda porque se siente real, directo y sin filtro, usando el peso sonoro como espejo emocional.
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• the happy the Irony

El cierre llega con una ironía afilada. “the happy the Irony” juega con contrastes desde el inicio, combinando una instrumentación agresiva con una atmósfera que sugiere falsa ligereza. Las guitarras alternan entre riffs contundentes y pasajes casi hipnóticos, creando una sensación de alegría forzada que nunca termina de sentirse auténtica. La batería sostiene un ritmo constante, casi mecánico, como si imitara la obligación de mostrarse bien todo el tiempo. El bajo añade profundidad y mantiene el tema anclado mientras la voz se mueve entre sarcasmo y cansancio emocional. Nada suena realmente feliz, y ahí está el punto. La canción funciona como comentario sobre la felicidad performativa, esa que se muestra aunque por dentro todo esté desordenado. Rockear este cierre es aceptar la contradicción, reírse un poco del desastre y seguir adelante con distorsión como escudo. Un final coherente, ácido y honesto, que deja claro que en este proyecto el metal no es solo ruido, es discurso y confrontación.
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